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고전음악  l  Classical Music | 옛 가락

고전음악
음악의 역사 

음악은 과거와 현재의 모든 알려진 문화에서 발견되며 시간과 장소에 따라 크게 다릅니다. 가장 고립 된 종족 집단을 포함하여 세계의 모든 사람들이 음악의 형태를 가지기 때문에 전 세계 인류의 분산에 앞서 음악이 조상 인구에 존재했을 가능성이 높습니다. 
결과적으로, 음악은 적어도 55,000 년 동안 존재할 수 있었을 것이며, 최초의 음악은 아프리카에서 발명되어 인간 생활의 근본적인 구성 요소가 될 수있었습니다 문화의 음악은 사회적, 경제적 조직과 경험, 기후, 기술 접근 ​​등 문화의 다른 모든면에 영향을받습니다. 음악이 표현하는 감정과 생각, 음악을 연주하고 듣는 상황, 음악 플레이어 및 작곡가에 대한 태도는 모두 지역과 기간에 따라 다릅니다.  "음악사"는 음악 (특히 서양 미술 음악)을 연대순으로 연구하는 음악학 및 역사의 하위 분야입니다


선사 시대 음악 -  Prehistoric music

선사 시대 음악은 원시 음악이라고도 불리우며 선사 시대 (prehiterate) 문화 (선사 시대)에서 제작 된 모든 음악에 부여되는 이름으로 매우 늦은 지질 학적 역사의 어딘가에서 시작됩니다.  선사 시대 음악은 대부분 유럽 (1500 년경)의 고대 음악과 이어 유럽의 영향을받은 지역 음악으로 이어지지 만 여전히 고립 된 지역에 존재합니다. 선사 시대의 음악은 기술적으로 음악과 관련된 현존하는 역사적 자료가 출현하기 전부터 존재해온 세계의 모든 음악을 포함합니다. 예를 들어, 선주민 부족과 호주 원주민 음악의 전통 아메리카 원주민 음악. 그러나 비 유럽 대륙의 "선사 시대" 음악, 특히 민간, 토착 음악 또는 전통 음악과 같이 여전히 살아남은 음악을 언급하는 것이 일반적입니다. 

음악의 기원은 기록 된 역사 이전에 발생했기 때문에 알려지지 않았습니다. 어떤 이들은 음악의 기원이 자연적으로 발생하는 소리와 리듬에 기인한다고 생각합니다. 인간의 음악은 패턴, 반복 및 음조를 사용하여 이러한 현상을 반복합니다. 오늘날까지도 일부 문화권에는 자연스러운 사운드를 모방하려는 음악이 포함되어 있습니다. 어떤 경우에는이 특징이 샤머니즘 적 신념이나 실천과 관련이있다. 또한 엔터테인먼트 (게임) 또는 실용적인 (사냥중인 동물을 유혹하는) 기능을 수행 할 수도 있습니다.


첫 번째 악기는 노래, 허밍, 휘파람에서부터 클릭, 기침, 하품에 이르기까지 다양한 소리를 낼 수있는 인간의 목소리 였을 가능성이 큽니다. 2008 년 고고학자들은 독일 Ulm 근처의 Hohle Fels 동굴에서 뼈 피리를 발견했다. 

다섯 구멍이있는 피리에는 V 자형 마우스 피스가 있으며 독수리 날개 뼈로 만들어졌습니다. 가장 오래된 목재 파이프는 2004 년 아일랜드의 Greystones 근처에서 발견되었습니다. 

나무가 우거진 구덩이는 한쪽 끝이 가늘어지며 길이가 30 ~ 50cm 인 육수로 만든 여섯 개의 플루트를 포함하고 있지만 손가락 구멍은 없습니다. 그들은 한 때 묶여있을 수도있다.


고대 음악

선사 시대는 서사의 발달로 끝났으며, 선사 시대는 선사 시대 음악으로 정의되었습니다. "고대 음악"은 뒤따른 음악에 주어진 이름입니다. "가장 오래된 알려진 노래"는 3400 년 전 우가리트(Ugarit)에서 제작 된 설형 문자로 작성되었습니다. 

**Ugarit. 우가리트: 시리아의 Latakia 북쪽에 있는 고대 도시; 현재의 Ras Shamra 자리에 있었다; 기원 전 1350년 무렵 지진으로 파괴되었으나, 동(銅) 제련·금은 세공으로 번영하고, 그 후 기원전 12세기 전반, 동지중해의 해양 민족의 침입에 의해 쇠퇴.

Anne Draffkorn Kilmer가 해독했으며, 고대의 지멜(gymel)과 같은 3 분의 1의 하모니로 구성되어있는 것으로 입증되었으며 또한 피아 오건 (diatonic scale)의 피타고라스 튜닝을 사용하여 작곡되었습니다. 세상 어디에서든지 음악 표기법을 포함하여 완전한 음악 구성 중 가장 오래 살아남은 예는 Seikilos 묘비명입니다.

** gymel 지멜: 중세 영국 음악의 초기 복(複) 선율법; 두 성부(聲部)를 평행 3도 음정으로 노래하는 기법.

고대 그리스인이 사용했던 것과 같은 이중 파이프와 고대 백파이프뿐만 아니라 화병과 벽 등에 관한 고대 그림의 리뷰와 (예 : Aristotle, Problems, Book XIX.12) 당시의 음악적 기법은 동시 발음을 나타냅니다.  아울로스(aulos) 쌍의 한 파이프 (이중 플루트)는 무인기 또는 "기조 연설자"로, 다른 하나는 멜로디 악절로 사용되었습니다. 7 개의 구멍이있는 피리와 다양한 종류의 현악기와 같은 악기가 인더스 계곡 문명 고고학 지에서 수집되었습니다.  인도 고전 음악 (마가)은 힌두교 전통 인 베다 (Vedas)에서 찾을 수 있습니다. 4 개의 vedas 중 하나 인 사마베다(Samaveda)는 음악을 길이에 대해 설명합니다.

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Youth playing the aulos, detail of a banquet scene. Tondo of an Attic red-figure cup, ca. 460 BC–450 BC.
** aulos 아울로스: 고대 그리스의 관악기로서, 복관(複管)과 오보에속(屬)의 리드가 있다.

Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastra 또는 ravana hasta veena)는 서부 인도에서 인기있는 숙달 된 바이올린 입니다. 그것은 라바나 왕 시대에 스리랑카의 헬라 문명 가운데 유래했다고 믿어집니다.  이 현악기는 세계사에서 가장 오래된 현악기 중 하나로 인정 받고 있습니다. 이란의 음악 발전사 (페르시아 음악)는 선사 시대로 거슬러 올라갑니다. 위대한 전설적인 왕, 잠 쉬드 (Jamshid)는 음악의 발명으로 여겨진다. 

이란의 음악은 엘람 왕국 시대 (225-644 BC)로 거슬러 올라갑니다. 국가 역사의 다양한시기의 단편적인 문서는 고대 페르시아인들이 정교한 음악 문화를 소유하고 있음을 보여줍니다. 

Sassanid women playing Chang (instrument) in Taq-e Bostan, Iran (c. 379 AD).png
이란 Taq-e Bostan에서 장 (악기)을 연주하는 사사 니드 여성 (c. 379 AD)

특히 사사니드(Sassanid) 시대 (AD 226-651)는 우리에게 페르시아에서 활발한 음악적 삶의 존재를 가리키는 충분한 증거를 남겼습니다. Barbod, Nakissa, Ramtin과 같은 몇몇 중요한 음악가들의 이름과 그들의 작품 중 일부는 살아 남았습니다. 

초기 음악 시대에는 아시아 음악, 페르시아 음악, 인도 음악, 유태인 음악, 그리스 음악, 로마 음악, 메소포타미아 음악, 이집트 음악, 이슬람 음악 등 현대적이지만 전통 또는 민속 음악이 포함될 수도 있습니다.

그리스(Greece)

그리스의 기록 된 역사는 고대 그리스로 거슬러 올라가며 고대 그리스 극장의 주요 부분이었습니다. 고대 그리스에서는 오락, 축하 및 영적 이유로 혼합 성별 합창단이 공연되었습니다. 악기에는 더블 리드 아우 로스 (aulos)와 뽑아 낸 현악기, 거문고, 특히 키 타라 (kithara)라는 특별한 종류가 포함되었습니다. 음악은 고대 그리스의 교육에서 중요한 부분이었고, 소년들은 6 세부터 음악을 가르쳤습니다.

Biblical period - 성서시대의 음악 

이스턴(Easton) 성경 사전에 따르면, 주발(Jubal)은 성경에 의해 악기의 발명가로 지목되었습니다 (창 4:21). 히브리 사람들은 음악을 경작하는 데 많이 사용되었습니다.  그들의 전체 역사와 문헌은 이것에 대한 풍부한 증거를 제공합니다. 대홍수 후, 음악에 대한 첫 번째 언급은 라반과 야곱과의 인터뷰에서였다 (창 31:27). 홍해가 승리를 거두고 모세와 이스라엘 백성은 구원의 노래를 불렀습니다 (출 15).  그러나 사무엘과 데이비드와 솔로몬 시대는 히브리시와 마찬가지로 히브리어 음악의 황금 시대였습니다. 음악은 처음으로 체계적으로 재배되었습니다.  그것은 선지자 학교의 훈련에서 필수적인 부분이었습니다 (삼상 10 : 5). 이제는 일종의 전문 가수가 생겼습니다 (삼하 19 장 35 절, 전 2 : 8). 그러나 솔로몬의 성전은 훌륭한 음악 학교였습니다.  그 봉사를 수행함에있어서 훈련 된 가수와 악기 연주자의 큰 무리가 끊임없이 사용되었다 (2 Sam 6시 5 분, 1 15 장 16 절, 23 절, 5 절, 25 : 1-6). 

David with his harp_Paris Psalter, c. 960, Constantinople.JPG
David with his harp Paris Psalter, c. 960, Constantinople - via photo wikipedia

사적인 삶에서도 음악은 히브리인들 사이에서 중요한 자리를 차지한 것처럼 보인다 (전 2 : 8, 아모스 6 : 4-6, 사 5:11, 12, 24 : 8, 9,시 137, : 33; 눅 15:25). 셈족과 초기 유대 - 기독교 문화의 역사와 인류학을 연구하는 음악 학자와 연극 학자들은 히브리인의 고전 문화에서 연극과 음악 활동이 그리스와 로마의 후기 문화와 연계되어 있음을 발견했다. 

공통적 인 성과 영역은 일련의 소집이나 탄원으로 이루어진 기도의 한 형태로 "거짓말 쟁이 (litany)"라는 사회 현상에서 발견됩니다. Journal of Religion and Theatre는 가장 초기의 양식 가운데 "히브리어 리야니는 풍성한 음악 전통을 동반했다 :" "창세기 4.21장 에서는 주발이"하프와 파이프를 켜는 모든 것의 아버지 "라고 밝히지만, 오경은 이스라엘의 초기 생활에서 음악의 연습과 가르침에 대해 거의 침묵합니다. 

다음과 같은 흥미로운 일이 일어난다. "알버트 센드리 (Alfred Sendrey)는"철저히 조직되고 훈련 된 음악 그룹으로 구성된 갑작스럽고 설명 할 수 없는 큰 합창단과 오케스트라의 급증, 성경적 구절에서 발견된다."라고 오랜동안 준비한 것으로 체계적으로 이라고 밖에 생각할 수 없다. "

라는 말을 듣고 일부 학자들은 예언자 사무엘이 선지자와 성스러운 사람들뿐만 아니라 신성한 종교인들까지도 가르치는 학교의 총 대주교 였다고 믿게했다. 아마도 이 기록 된 음악 학교는 역사상 최초의 기록 일 것이다. 성직자 계급으로 제한된 - 이는 양치기 소년 데이비드가 사울 왕에게 음유 시인으로 현장에 나타나는 모습입니다.

초기 음악

초기 음악은 서기 476 년에 로마 제국이 무너진 이후부터 18 세기 중반에 바로크 시대가 끝날 때까지의 유럽 고전 음악입니다. 이 엄청난 시간 동안의 음악은 매우 다양했으며 광범위한 지리적 영역 내에서 다양한 문화적 전통을 포괄합니다. 중세 유럽이 발달 한 많은 문화 그룹에는 이미 음악 전통이 있었으며 그 중 일부는 알려져 있지 않습니다. 중세 시대에 이 문화를 통일시킨 것은 로마 카톨릭 교회였으며 이 음악은 이 기간의 처음 천 년 동안 음악 발전의 중심으로 인용 됩니다.

중세 음악 
음악에 관한 글 및 기타 기록에 의해 입증 된 것처럼 중세 초기에 뮤지컬의 삶은 의심 할 여지없이 풍부했고, 800 년에서 현재까지 살아남은 유일한 음악 레퍼토리는 평신도의 전례 음악입니다. 로마 카톨릭 교회, 그 중 가장 큰 부분은 그레고리오 성가라고 불립니다. 교황 그레고리 1 세는 뮤지컬 레퍼토리에 자신의 이름을 지었고 자신이 작곡가일지도 모른다고 평했습니다.  그의 죽음 이후 100 년이 넘었습니다. 많은 학자들은 그의 명성이 전설에 의해 과장되어 있다고 생각합니다. 찬트 레퍼토리의 대부분은 그레고리 (Gregory)와 샤를 마뉴 (Charlemagne) 시대 사이의 수세기에 익명으로 구성되었습니다.

9 세기에 몇 가지 중요한 발전이 일어났습니다. 첫째, 많은 성가의 전통을 통일하기위한 교회의 큰 노력이 있었고, 그리고 그레고리오 예배에 찬성하는 많은 사람들을 금지 시킵니다. 둘째로, 최초의 다성 노래가 불려졌는데 organum 으로 알려진 평행 한 노래의 한 형태입니다. 셋째, 음악사에있어 가장 중요한 의미는 약 500 년이 지난 후에 표기법이 재창조되었고,현대 음악가들에게 당연한 정확성과 유연성을 갖춘 피치와 리듬 표기법이 발전하기까지는 수세기가 더 걸린 것입니다.

폴리포니의 몇몇 학교는 1100 년 이후에 번성했습니다 : 성 마르티 아 학교 (St. Martial School of organum), 음악은 종종 하나의 연속 선을 통해 빠르게 움직이는 부분이 특징 인 경우가 많습니다.  작곡가 레오닌 (Léonin)과 페로틴 (Pérotin)을 포함하는 다성음악의 노트르담 (Notre Dame)학교, 작곡가 레오닌 (Léonin)과 페로틴 (Pérotin)을 포함하여 1200 년 경 두 개 이상의 파트로 구성된 첫 번째 음악을 제작했습니다.  갈리시아에있는 산티아고 데 콤포 스텔라 (Santiago de Compostela)의 음악적 방식을 나누는, 중세 후기에 많은 전통의 음악가들이 모여 든 Codex Calixtinus 에서, 순례지의 장소. 우스터 부분과 구관 원고에서 음악이 살아남은 영국 학교. 신성한 음악 학교들과 함께, 세속적 인 노래의 역동적 인 전통이 발전하였습니다. 

** Codex Calixtinus (또한 Compostellus)는 12 세기 Liber Sancti Jacobi 또는 Saint James 책에 대한 주된 증인입니다. 교황 Callixtus II에 기인 한 pseudepigraph이다; 주요 저자 또는 편집자는 "Pseudo-Callixtus"라고 불리며, 종종 프랑스 학자 Aymeric Picaud와 동일시됩니다. 컴파일 할 가능성이 가장 높은 날짜는 1138-1145입니다

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** 그림 설명 
Detail from the Codex Calixtinus Folio 4r, showing Saint James the Great

예를 들어 악보집, trouvères 및 Minnesänger의 음악에서 볼 수 있습니다.  초기 르네상스의 이후 세속적 인 음악의 대부분은 악보, 형식적으로 시인들과 순회 연주자들의 형식, 생각, 음악적 미학에서 진화습니다. 이들은 13 세기 초 Albigensian Crusade 기간 동안 문화가 크게 퇴행 하게 됩니다. 13 세기 후반에 만들어진 신성한 음악의 형태에는 motet, conductus, discant 및 clausulae 가 포함됩니다. 하나의 특별한 발전은 두 시기, 즉 13 세기 중반 (교회에 의해 억압 될 때까지)의 방황하는 밴드의 음악 인 가이 슬러 라이트 (Geisslerlieder)였습니다.  블랙 데스 (Black Death) 기간 동안, 그리고 바로 다음 기간 인 1350 년경에 그들의 활동이 생생하게 기록되고 잘 쓰여진 음악으로 잘 문서화 된 시기를 말합니다. 그들의 음악은 여러 가지 포크 송 스타일을 참회적인 또는 묵시록적인 구절과 섞었습니다. 

유럽 ​​음악 역사에서 14 세기는 초기 르네상스의 이상과 미학과 공통점이 많았지만 관습에 따라 음악의 중세 시대와 그룹화 된 아르누보 스타일에 의해 지배되었습니다.  살아남은 음악의 대부분은 비종교적이며, 같은 이름의 시적 형식에 해당하는 발데드, virelai, lai, 론도 등 형식 수정을 사용하는 경향이 있습니다. 이 형식의 대부분의 곡은 기악 반주와 함께 1 ~ 3 개의 목소리로 나옵니다.  유명한 작곡가로는 Guillaume de Machaut와 Francesco Landini가 있습니다.

르네상스 음악 

르네상스음악의 시작은 다른 예술에서의 르네상스의 시작처럼 명확하게 표시되어 있지 않으며 다른 예술과 달리 이탈리아에서 시작된 것이 아니라 북부 유럽에서 시작되었습니다. 특히 현재 중앙 및 북부 지역으로 구성된 지역에서 시작되었습니다. 북부 프랑스, ​​네델란드, 벨기에. 프랑수아 플랑드르 학교의 1 세대로서 알려진 부르고뉴 작곡가의 스타일은 처음에는 과도한 복잡성과 14 세기 후반의 예의 바른 스타일에 대한 반응이었고, 분명하고 노래 할 수있는 멜로디와 균형 잡힌 폴리포니를 모든 목소리를 포함하고있었습니다. 

Portrait of Italian composer Claudio Monteverdi in Venice, by Bernardo Strozzi, c. 1630.jpg
Portrait of Italian composer Claudio Monteverdi in Venice, by Bernardo Strozzi, c. 1630 via photo wikipedis 

15 세기 중반에 Burgundian 학교의 가장 유명한 작곡가는 Guillaume Dufay, Gilles Binchois 및 Antoine Busnois 입니다. 15 세기 중엽, 저지 국가 및 인접 지역의 작곡가 및 가수가 유럽 전역, 특히 이탈리아로 파견되기 시작하여 로마 교황 예배당 및 귀족 예술계의 후원자 (예 : 메디치 에스테, 스포르차 가족). 그들은 그들과 함께 스타일을 지니고 있습니다 : 부드러운 폴리포니는 적절하게 신성한 또는 세속적 인 사용에 적용될 수 있습니다. 

당시 신성한 음악 작곡의 주요 형태는 질량, motet, 그리고 우상; 세속적 인 모양은 chanson, frottola 및 최신 madrigal를 포함합니다.

인쇄의 발명은 음악 스타일의 보급에 엄청난 영향을 주었고, 프랑코 - 플랑드르 음악가들의 움직임과 함께, 샤를 마뉴 (Charlemagne)의 그레고리오 성가 (Gregorian chant) 통일 이후 유럽 음악에서 최초의 진정한 국제 스타일의 수립에 기여했습니다.  Franco-Flemish 학교의 중간 세대의 작곡가들은 다양한 질감과 정교한 장치의 정교한 사용으로 대위법으로 복잡한 스타일로 음악을 작곡 한 Johannes Ockeghem을 포함 시켰습니다. 

제이콥 오브레 흐트 (James Jacob Obrecht), 15 세기의 지난 수십 년 동안 가장 유명한 대중 작곡가 중 한 명. Josquin des Prez, 아마도 Palestrina 이전의 유럽에서 가장 유명한 작곡가 였고, 16 세기에는 어떤 형태로든 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 유명했습니다. 

Josquin 이후 세대의 음악은 대위법의 복잡성이 증가하는 것을 탐구했습니다. 아마도 가장 극단적 인 표현은 니콜라스 곰 베르트 (Nicolas Gombert)의 음악에 있으며, 그의 대위법의 복잡성은 카노 나와 리사르카와 같은 초기 악기 음악에 영향을 미침으로써 궁극적으로 바로크 양식의 푸가 (fugal) 형태를 띠게됩니다.

16 세기 중반에 국제 스타일이 무너지기 시작했고 몇 가지 매우 다양한 문체 경향이 드러났습니다 : 트렌트의 반혁포 협의회 (Counter-Reformation Council of Trent)가 지휘 한 신성한 음악의 단순화 경향, 지오반니 Pierluigi da Palestrina; Luzzaschi의 페라라 스쿨 (Ferrara School of Luzzaschi)과 후기 세기의 마드 리가 주의자 카를로 게스 알도 (Carlo Gesualdo)의 아방가르드 스타일의 극단적 인 표현에 도달 한 마드리갈의 복잡성과 색도에 대한 경향. 

그리고 베네치아 학교의 위대하고 경쾌한 음악은 교황 San Marco di Venezia 의 건축을 사용하여 대조적 인 대조를 창출했습니다. 베네치아 학교의 음악에는 1600 년 경에 수십 년에 걸쳐 일어난 오케스트레이션, 장식 된 악기 파트 및 연속 저음 파트의 개발이 포함되어 있습니다. 베니스의 유명한 작곡가에는 Gabrielis, Andrea 및 Giovanni는 물론 Claudio Monteverdi, 시대의 끝 부분에서 가장 중요한 혁신 중 하나였습니다.

유럽의 대부분의 지역은 세기 초반에 활동적이고 차별화 된 음악 전통을 지니고있었습니다. 영국에서는 토마스 탈리스 (Thomas Tallis)와 윌리엄 버드 (William Byrd)와 같은 작곡가가 대륙에 쓴 것과 비슷한 스타일로 성스러운 음악을 썼으며, 자숙 한 마들 리기 주의자들의 활동적인 그룹은 이탈리아의 형식을 영국 취향에 맞게 수정했습니다. 

유명한 작곡가로는 Thomas Morley, John Wilbye Thomas Weelkes. 스페인은 토마스 루이스 데 빅토리아 (Tomás Luis de Victoria)가 팔레스 트리나 (Palestrina)와 비슷한 세련된 음악과 새로운 기타를 작곡하는 수많은 작곡가를 통해 자체적으로 악기와 보컬 스타일을 발전시켰습니다.  독일은 프로테스탄트 합창단에 세워진 대위법을 신성한 음악의 기초로 사용하고 베네치아 학교 (바로크 시대의 시작을 정의한 모양)를 도입했습니다. 또한 독일의 작곡가들은 엄청난 양의 오르간 음악을 작곡하여 나중에 바로크 시대의 오르간 스타일을위한 기초를 마련했습니다. 바흐. 프랑스는 세속적 인 샹송에서 사용되는 musique mesurée라는 독특한 음악 스타일을 만들었으며, Guillaume Costeley 및 Claude Le Jeune과 같은 작곡가가 이 곡에서 유명합니다.

이 시대의 가장 혁명적 인 운동 중 하나는 1570 년대와 1580 년대 피렌체에서 일어 났는데 피렌체 카메라타의 작품은 역설적 인 의도를 가지고있었습니다. 현대적인 음악 부패로 보았던 것에 불만을 갖게되었습니다. 고대 그리스의 음악 그 중에는 천문학자인 Vincenzo Galilei와 Giulio Caccini 가 있었습니다. 그들의 노동의 결실은 "모노 (monody)"로 알려진 선율 적 멜로딕 노래 스타일이었고, 상연 된 극적인 형태는 오늘날 오페라라고 알려진 형태입니다. 

1600 년경에 쓰여진 첫 번째 오페라는 르네상스의 종말과 바로크 시대의 시작을 정의합니다. 1600 이전의 음악은 음색이 아닌 모달이었습니다. Gioseffo Zarlino와 Franchinus Gaffurius의 모드에 관한 저울과 같은 16 세기 후반의 몇 가지 이론적 발전은 공통적 인 연습 음조의 발전을 직접 이끌었습니다. 메이저와 마이너 스케일은 오래된 교회 모드보다 우선적으로 나타나기 시작했습니다.이 모드는 작곡의 핵심 포인트에서 처음에는 분명했지만 점차 퍼지기 시작했습니다.  바로크 시대의 음조 음악에서 시작하여 1600 년 이후의 음악은 흔히 일반 연습 기간에 속하는 것으로 불립니다.

바로크 음악 Baroque music

기악은 바로크 시대에서 지배적이었고 대부분의 주요 음악 형식이 정의되었습니다.  대위법은이시기의 기악과 성악에서 주요한 힘 중 하나였다. 강한 종교 음악 전통이 계속되었지만 세속 음악은 소나타, 협주곡 및 협주곡 그로소의 발전으로 전면에 나왔습니다.  
concerto grosso.
협주곡 그로소 소규모 그룹의 독주자 (콘서티노)와 풀오케스트라 (ripieno 또는 협주곡 그로소) 사이에서 음악 요소가 전달되는 바로크 음악의 한 형태. 이것은 오케스트라와 함께 멜로디 라인에 솔로 악기가 연주되는 솔로 협주곡과는 대조적입니다. 


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요한세바스찬 바흐

즉흥 연주를 위한 지휘자가 저음의 장식적이거나 살을 붙이는 연주을 위해 저음으로 많은 바로크 음악은 구성되어져 있습니다.키보드, 특히 하프시코드 (harpsichord)는 지배적인 악기였으며, 좋은기질(Well temperament)의 시작은 모든 건반과 모듈레이션에서 연주 할 수있는 가능성을 열었습니다.

Well temperament : 20 세기 음악 이론에서 묘사 된 강화 된 튜닝 유형 - 이 용어는 J.S.의 제목에 나오는 독일어 단어 wohltemperiert를 모델로합니다. 바흐의 유명한 작곡 인 The Well-Tempered Clavier.
wohl temperiert라는 문구는 오르간 튜너이자 음악 이론가 인 Bach의 전임 Andreas Werckmeister (1645-1706)에 의해 Musikalische Temperatur (1691)에 처음 나타났습니다.

많은 바로크 음악은 키보드, 하프시코드 또는 오르간 (때때로는 류트), 비올라 다 감바 나 바순과 같은베이스 악기로 구성된 바소 연속체를 특징으로했습니다. 세 명의 뛰어난 작곡가는 요한 제바스티안 바흐, 게오르크 프리드리히 헨델, 안토니오 비발디가 있었지만, 거대한 산출량을 가진 몇 몇 작곡가들이이시기에 활동했습니다.

클래식컬 시대 - Classical music era

클래식 시대의 음악은 동음의 질감이나 반주가있는 명백한 멜로디가 특징입니다. 이 새로운 멜로디는 거의 목소리처럼 노래하고 노래 할 수있어 작곡가가 실제로 음악의 초점으로 가수를 대체 할 수있었습니다. 기악은 곧 오페라와 다른 노래 양식 (예 : 오라토리오)을 음악 청중의 마음에 드는 음악으로 바꾸고 훌륭한 음악을 축약했습니다. 그러나 오페라는 사라지지 않았습니다. 고전 시대에는 여러 작곡가가 모국어로 오페라를 제작하기 시작했습니다 (이전 오페라는 일반적으로 이탈리아어로 진행되었습니다).

강하고 선명한 멜로디에 찬성하여 목소리가 점차적으로 대체됨에 따라, 대위법은 일반적으로 장식적인 번창이되어 종종 작업의 끝 부분이나 단일 이동에 사용되었습니다.  그 대신에 아르페지오와 같은 단순한 패턴과 피아노 음악에서 Alberti베이스 (일반적으로 왼손의 반복 패턴이있는 반주)를 사용하여 혼란스러운 추가 목소리를 내지 않고 피스의 움직임을 활발하게 만들었습니다. 

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볼프강 아메데우스 모짤트 - via photo wikipedia
Wolfgang Amadeus Mozart's compositions characterized music of the classical era.

현재 인기있는 악기 음악은 소나타, 교향곡 및 협주곡과 같이 몇 가지 잘 정의 된 형식에 의해 지배적이었지만 그 당시 음악 이론은 지금처럼  정의 되거나 가르치지 않았다.  세 가지 모두 소나타 형식에서 파생됩니다.이 형식은 전체 작업의 겹쳐진 형태와 단일 동작의 구조입니다. 소나타 형식은 고전 시대에 성숙되어 19 세기 전반에 걸쳐 악기 작곡의 기본 형식이되었습니다.

초기 고전시기에는 만하임 학교 (Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, Christian Cannabich 등)가 포함되었습니다. 그것은 Joseph Haydn과 그를 통한 모든 후속 유럽 음악에 심오한 영향을 끼쳤습니다.  볼프강 아마데우스 모차르트는 고전 시대의 중심 인물이었으며 모든 장르에서 그의 경이롭고 다양한 결과물은 시대에 대한 우리의 인식으로 정의합니다. Ludwig van Beethoven과 프란츠 슈베르트(Franz Schubert)는 과도기적 작곡가로, 기존 장르, 형식 및 음악 기능을 확장하여 낭만주의 시대로 이끌었다.

Romantic music - 낭만주의 음악 

낭만주의 기간에는 음악이 표현력과 감성을 더해 문학, 예술, 철학 등으로 확장되었습니다. 유명한 초기 낭만파 작곡가로는 Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Berlioz가 있습니다. 19 세기 후반에는 오케스트라의 규모와 도시 사회의 일부인 콘서트의 역할이 크게 확대되었습니다.  세기 후반의 유명 작곡가로는 요한 슈트라우스 2 세, 브람스,리스트, 차이코프스키, 베르디, 바그너 등이 있습니다. 

The title character from a 19th-century performance of Wagner's opera Siegfried.jpg
19세기 공연  바그너 오페라 지크프리트  - via photo wikipedia

1890 년에서 1910 년 사이에 드보르작(Dvořák), 말러(Mahler), 리차드 스트라우스(Richard Strauss), 추치니(Puccini )및 시벨리우스(Sibelius)를 포함한 작곡가의 세 번째 물결은 중간 낭만파 작곡가의 작업을 기반으로 더욱 복잡하고 종종 더 긴 음악 작품을 창작했습니다.  19 세기 후반 음악의 두드러진 특징은 드보르작, 시벨리우스, 그리그(Grieg)와 같은 인물들에 의해 예시되는 민족주의 열정이다. 다른 저명한 세기 후기에는 Saint-Saëns, Fauré, 라흐마니노프(Rachmaninoff) 및 Franck가 포함됩니다.

20세기와 21세기의 음악 

20 세기는 라디오가 전 세계적으로 인기를 얻어 음악 듣기에 혁명을 일으켰으며 음악을 녹음, 캡처, 재생 및 배포하기 위해 새로운 미디어와 기술이 개발되었습니다. 뮤직 비디오 및 콘서트의 방송 및 녹화로 음악 공연이 점점 더 시각적으로되었습니다. 모든 종류의 음악 또한 점점 더 휴대 가능하게되었습니다. 헤드폰을 통해 사람들은 서로 옆에 앉아서 완전히 다른 공연을 듣거나 동일한 공연을들을 수있었습니다. 20 세기 음악은 새로운 시대의 음악 규칙에 도전하는 새로운 음악 스타일과 형식에 대한 새로운 자유와 폭 넓은 실험을 가져 왔습니다. 음악 증폭 및 전자 악기, 특히 신디사이저의 발명은 20 세기 중반에 대중 음악에 혁명을 일으키고 새로운 형태의 음악 개발을 가속화했습니다.
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